tratto da “Figure drawing for all it’s worth” di A. Loomis

Bisogna dire che la maggioranza dei disegni dei principianti ha un aspetto sgraziato e sproporzionato.

Ci sono anche altri errori o ingenuità tipici in chi inizia ad affrontare questa strada.

Ho trovato certe caratteristiche ricorrenti e vorrei farne una lista in modo che possiate controllare il vostro lavoro e individuare le aree in cui è possibile migliorare.

1. Immagini grige e monotone Cosa fare: prima di tutto procuratevi una matita più morbida che possa darvi un buon nero. Evidenziate le zone nere o scure del vostro soggetto marcandole con forza. Per contrastare, lasciate aree ben bianche dove il soggetto si presenta molto chiaro.  Non circondate aree molto chiare con linee troppo forti.
2. Tracciatura di linee composte da brevi tratti insistiti non passate e ripassate le linee del disegno rendendole un pasticcio, disegnatele cercando di renderle con tratti lunghi e fluidi. Non ombreggiate con una moltitudine di segnetti corti, impugnate la matitalontano dalla punta e tracciate segni accostati e lunghi. Potete anche provare a creare ombre usando il lato della punta della matita, facendolo scorrere quasi piatto sul foglio con un gesto fluido (forse all’inizio è meglio affidarsi al tratteggio descritto in precedenza.
3. Elementi caratteristici della testa mal distribuiti. Imparate quali sono le linee di forza su cui è costruita la struttura della testa (andate a vedere il capitolo sulla testa) costruite gli elementi facendovi guidare dagli spazi organizzati in modo corretto.
4. Disegno sfregato e sporco, spesso con i bordi accartocciati. Spruzzate il disegno con il fissativo, se disegnate su carta sottile montatela su un supporto rigido. Non permettete che la carta del disegno si stracci o si spiegazzi, se succede ricominciate da capo. Mantenete le parti non toccate del disegno scrupolosamente pulite, usate la gomma o una lametta per raschiare e pulire.
5. Troppe tecniche nella stessa immagine Risolvete il vostro soggetto usando una sola tecnica, Non combinate pastelli acquerellabili con matite, o pastelli con qualcos’altro. Fate tutto a pastelli, tutto a crete, tutto solo ad acquerello o solo a penna e inchiostro. Questo fornisce una certa coerenza al lavoro. Successivamente potrete provare a combinare più tecniche ma non iniziate in questo modo.
6. Usare carte colorate Un disegno in bianco e nero fa la sua migliore figura sulla carta bianca, se proprio dovete usare carte colorate allora con colori che si armonizzino. Per esempio un marrone o un rosso a pastello stanno bene su una carta color crema. Lavorando a colori comunque per me è meglio avere sotto la carta bianca.
7. Usare le facce delle stelle del cinema È un modo certo per rendere i propri disegni noiosi e per segnalare che siete  dei principianti, le foto delle riviste da cui copiare sono spesso malamente illuminate dal punto di vista di un disegnatore. Prendete a modello facce che non sono ben conosciute.
8. Cattiva composizione Se state disegnando la vignetta di una testa, sforzatevi di inserirla armoniosamente e in modo attraente. Gestite con attenzione l’equilibrio compositivo di ciascuna immagine.
9. Alte luci con il gesso Ottenere un risultato buono richiede il lavoro di un artista veramente abile.
10. Soggetti poco interessanti. Un semplice costume non crea un disegno interessante. Qualsiasi immagine dovrebbe rappresentare un soggetto di un qualche interesse più che rappresentare uno sfoggio di capacità tecniche. Le teste dovrebbero ritrarre un carattere, offrire una espressione significativa. Oppure i soggetti dovrebbero esprimere un atmosfera o un sentimento che li rendano interessanti.

Gli acquerelli sono forse lo strumento più complicato di tutti.

Molti principianti cercano di usarlo da subito ma i colori ad acqua per essere efficaci dovrebbero essere usati in modo ampio, con pennellate ampie e ripetute, e non troppo minuziose.

Se vi ritrovate a punteggiare o a battere, potete star certi che la vostra opera non piacerà.

I colori ad acqua dovrebbero dare la sensazione di un disegno ottenuto di getto, senza premeditazione, o comunque di un colore libero di creare le sue trame e i suoi effetti asciugando.

Si possono ottenere dei begli effetti inumidendo dapprima la superficie e passando poi i colori sull’area bagnata.

È importante usare una carta da acquerello pesante o montata su un telaio o una tavola , poiché se usato su di una carta morbida e molto assorbente l’acquerello può diventare molto sporco e confuso. Meno ripassate sulle zone su cui siete già passati, meglio è.

Generalmente, chi usa gli acquerelli preferisce non lasciare molti tratti o tratteggi a matita, in particolar modo quelli usati per le ombre e le zone scure.

Alcuni lavorano in questo modo: danno una tonalità iniziale su tutto il foglio, realizzano le luci togliendo il colore con una spugna o un pennello, dunque realizzano i mezzitoni e gli scuri sulla tonalità iniziale.

Se pensate di usare gli acquerelli solo in maniera minuziosa con tanti piccoli colpi di pennello, vi suggerirei di provare i pastelli, che possono essere stesi e strofinati a piacere.

I colori ad olio, invece, hanno il vantaggio di rimanere freschi abbastanza a lungo da gestirli come si vuole.

… È necessario possedere molto di più che la mera abilità tecnica per produrre un buon disegno …

Quasi tutti gli artisti di successo posseggono un particolare interesse, passione o inclinazione verso certi aspetti del mondo. Spesso si tratta di una sorta di fascinazione che essi subiscono in qualche fase della loro vita.

Harold von Schmidt, per esempio, ama la vita all’aperto, la vita rurale, i cavalli, i pionieri, il dramma e l’azione. Il suo lavoro trasmette la passione che lo possiede.

Harold von Schmidt

Harry Anderson ama le persone comuni che popolano l’America, – Il vecchio dottore di famiglia, i piccoli cottage bianchi.

Harry Anderson

Norman Rockwell, un grande ritrattista di caratteri, ama le mani segnate da una vita di duro lavoro, scarpe che hanno visto tempi migliori, la sua attitudine compassionevole e tenera verso l’umanità, potenziata dalla sua meravigliosa abilità tecnica, gli ha fruttato un posto di tutto rispetto nel mondo artistico.

Norman Rockwell

Jon Witcomb e Al Parker hanno meritato la loro fama per la loro capacità di ritrarre puntualmente i giovani americani.

Jon Witcomb

Al Parker

Maude Fangel amava i bambini e li ha rappresentati in maniera meravigliosa.

Maude Fangel

Nessuno tra coloro che ho citato avrebbe raggiunto l’apice senza la propria spinta interna. Ma nessuno di loro sarebbe potuto arrivare se non fosse stato capace di disegnare bene.

Vi sconsiglio comunque dal tentare di imitare gli artisti di successo per fare esperienza. Il più delle volte questo comportamento porta a risultati scoraggianti. La ragione è che vi trovereste continuamente a dover confrontare i vostri necessariamente modesti risultati con modelli tanto alti da sembrare irraggiungibili. In questo modo inoltre non potreste cercare il vostro specifico modo di guardare e finireste per sviluppare un complesso di inferiorità verso il vostro modello, finendo per non riuscire mai ad essere qualcosa di più che un mero imitatore.

Ricordate: gli artisti non sono quasi mai gelosi riguardo ai propri trucchi del mestiere e volentieri ne diffondono la conoscenza. Spesso ho sentito dire dai miei allievi: “Se solo potessi osservare quel certo autore mentre lavora, sono sicuro che potrei raggiungerlo!”, questo modo di andare avanti purtroppo non produce i risultati sperati. C’è un equivoco da chiarire: il solo mistero, se si può parlare di mistero in questi casi, è la personale interpretazione della realtà dettata dalla particolare sensibilità di quel certo artista. Egli stesso non conosce probabilmente non ha alcuna coscenza di possedere questo “segreto”. Ve ne dovete fare una ragione.

Prima di decidere a quale tipo di disegno volete dedicarvi, è bene che ragioniate bene su quale sia il vostro campo di esperienze. Se per caso siete venuti su in una fattoria, è più facile che sappiate raccontare con efficacia la vita in campagna piuttosto che avvenimenti sociali a Long Island.

Non sottovalutate l’intima conoscenza che avete acquisito nella esperienza quotidiana della storia della vostra vita. Ciascuno di noi tende a svalutare e a considerare banale la propria esperienza di vita ma questo è un grave errore. La mancanza di un retroterra di esperienze rende sterile il materiale artistico prodotto. Un artista cresciuto in povertà può raggiungere livelli estetici molto più alti quando affronta temi legati ai bassifondi rispetto a un altro di migliore educazione ma dallo stile più ornato e lussuoso. E’ un dato di fatto, egli è in grado di sapere molto di più riguardo alla vita e la sua arte è probabile che abbia un maggiore appeal.

Attualmente si è sviluppato un grande interesse per le “Scene di vita americana”.  La semplice dignitosa povertà ne è la chiave. Molti dei nostri lavori per la pubblicità e per le illustrazioni, comunque fanno riferimento alla vita sofisticata e lussuosa, ma è saggio tenere a mente questa nuova tendenza, per la quale un umile origine non è certo un handicap.

È vero che molti artisti dovrebbero essere preparati a maneggiare a richiesta qualsiasi tipo di argomento. Ma gradualmente ciascuno si indirizza a raccontare ciò che conosce e quindi gli riesce meglio. Se non volete finire ad essere in qualche modo “catalogati” e costretti a ripetervi in un soo genere di rappresentazione, dovrete lavorare duramente per ampliare il vostro campo di applicazione. Ciò significa che dovrete ampliare il campo di apprendimento dei principi del disegno (tutte le cose hanno proporzioni, tridimensionalità, trame, colori, chiaro scuro) in modo da non trovarvi impreparati di fronte a qualsiasi commissione, che si tratti di una natura morta o di un paesaggio, un animale o un particolare tipo di tessuto, come ad esempio il satin o qualche particolare tipo di legno lucidato. Se imparate ad osservare qualsiasi esigenza potrà essere soddisfatta senza troppi problemi, in fondo la rappresentazione di qualsiasi forma è basata sulla visualizzazione di come la luce agisce su di essa in termini di tono e colore. Inoltre sapendo come osservare, è sempre possibile fare ricerche e studi su quei soggetti che dovessero risultare poco familiari. La maggioranza degli artisti passano tanto tempo nella raccolta di dati quanto ne spendono disegnando o dipingendo.

Le basi fondamentali del disegno e della pittura sono le stesse. Forse si potrebbe dire che il disegno in generale non cerca di rendere le sottigliezze di valori tonali, di contorno e i piani o la modellazione che può essere ottenuta nella pittura. Qualsiasi medium comunque pone l’artista di fronte agli stessi problemi: deve prendere in considerazione l’orizzonte e il punto di vista; deve avere il controllo delle proporzioni tra lunghezza larghezza e spessore (nella misura in cui egli è in grado di renderlo sulla superficie piana del disegno o della illustrazione); egli dovrà considerare, in breve, gli elementi di cui sto parlando nel libro “Figure drawing for all it’s worth”.

L’associazione Circolo d’Arti organizza per il 23 marzo una mostra collettiva di artisti scelti, nell’ambito della Festa della Primavera che si terrà domenica 23 marzo nel centro Polifunzionale di Casa Spadaccino.

Durante la giornata alcuni degli artisti lavoreranno dal vivo, dimostrando varie tecniche pittoriche.
La festa si svilupperà per tutta la giornata, dalle dieci del mattino alle otto di sera, sarà possibile visitare mostre di artigianato enogastronomia e arte, partecipare a laboratori, fare esperimenti insieme agli esperti del Centro Educazione Ambientale, svolgere attività di gioco e ricreative, gustare prodotti tipici e molto altro.

Per trovare Casa Spadaccino

Si è aperta la mostra di Mario Soddu, in arte Madù, alla Mansarda del centro polifunzionale di Casa Spadaccino, grazie all’organizzazione della associazione culturale Circolo d’Arti, ecco alcune delle opere esposte:

L’evento si è articolato tra il sabato e il giovedì successivo. Il sabato c’è stato un vernissage con la presentazione dell’artista e delle sue opere fatta da Alessandro Pedroni, durante una serata con musica dal vivo, le opere sono rimaste esposte fino alla serata del giovedì sera successivo che ha visto la chiusura della mostra con un concerto di musica blues.

La mostra personale delle opere di Mario Soddu, ha avuto un ottimo successo, molte delle opere esposte in copia sono state vendute.

Gli artisti che vogliono partecipare ed esporre durante queste serate ci possono contattare tramite questo modulo:

Leggo continuamente articoli in giro per il web che spiegano in che modo misurare “l’esatto colore” da impastare sulla tavolozza, ci sono articoli ed articoli sul tema del cosiddetto “Color Checker”, di seguito, per documentazione, te ne fornisco una lista ragionata.

Credo che la questione sia assolutamente mal posta, un pittore usa il colore in funzione del racconto che vuole fare e non sempre la corrispondenza “colorimetrica” corrisponde alla emozione o alla comunicazione che l’artista intende suscitare. Questo vale per qualsiasi opera figurativa, che essa sia “naturalista” o “astratta”.

Non dico che non sia necessario per un pittore conoscere i colori che usa o approfondire certi aspetti della teoria del colore, dico però che questo deve servire per scoprire come il colore può essere usato al servizio di ciò che vuole raccontare.

Faccio qualche esempio:

Come si può vedere accostando nella serie di opere che ho scelto l’uso dei colori e della illuminazione è sempre stato usato in funzione del racconto che il pittore stava facendo o per sottolineare l’atmosfera emotiva che si voleva trasmettere.

Ho lavorato molti anni come grafico e uno dei problemi che ci si trova ad affrontare quando si deve riprodurre una foto su uno stampato, è che comunque si lavori, anche usando le tecnologie più fini, non è possibile riprodurre i colori esatti della fotografia fornita, ne tanto meno quelli del modello originale.

Per un pittore questo problema non si dovrebbe porre: se vuole raccontare la natura, i suoi colori devono dare un senso di naturalezza (che è una percezione soggettiva e culturale), come si può vedere nelle opere di Raffaello, Michelangelo, Caravaggio e Vermeer, i colori usati non sono “naturali”, danno piuttosto il senso della naturalezza e comunque si accordano con l’emozione che l’opera voleva esprimere; le opere d’arte degli autori più recenti, da Cezanne in poi sono meno interessate alla corrispondenza con la realtà percepita e più interessati ad esprimere – anche attraverso i colori – le percezioni soggettive, le emozioni personali o le proprie fantasie.

A questo punto la necessità di riprodurre esattamente i colori del soggetto ritratto risulta forse futile, anche i cosiddetti pittori iperrealisti sono costretti ad utilizzare stampe fotografiche come modelli del loro lavoro (e dovrebbero essere coscienti che  nemmeno le foto sono fedeli ai colori del soggetto che riproducono). Quindi forse la nostra attenzione di pittori quando scegliamo e impastiamo i colori sulla nostra tavolozza dovrebbe essere posta al servizio di che cosa vogliamo raccontare e del senso che vogliamo dare al nostro racconto.

La teoria dei colori e tutte le considerazioni più o meno scientifiche su valori di chiaroscuro, toni di colore e valori di saturazione ci possono comunque essere utili, specie se le utilizziamo per scegliere i pigmenti più efficienti per esprimere il nostro personale racconto della realtà o delle nostre fantasie ed emozioni.

Ecco alcuni riferimenti per farsi un’idea da soli:

Una trattazione semplice sulla teoria dei colori su L’angolo dell’Arte
Cenni sulla teoria dei colori su disegnamo.it
Il colore su disegnoepittura.it
La saturazione del colore su disegnoepittura.it
come scaldare o raffreddare un colore
Colori primari secondari e complementari

Come puoi constatare molte di queste informazioni hanno a che vedere più con la scienza che con la pittura, quello che interessa un pittore è come creare un’armonia di colori sulla propria opera, come usare i colori per esprimere il proprio stato d’animo o per rendere l’emozione e l’atmosfera che la propria opera deve rendere.

Per ottenere questo risultato dovete come prima cosa imparare alcune semplici basi della teoria del colore, questo mi sembra una buona lezione filmata da cui partire:

Per imparare a mescolare i colori può essere utile questa serie di video che ho registrato durante un mio workshop sulla ruota dei colori fatta usando solo i tre colori primari: potete vedere tutta la serie su youtube o vederli uno per uno qui di seguito (ti avverto, è una lezione dal vero e i miei allievi sono chiacchieroni!):

questa sequenza di filmati fa vedere chiaramente come con i soli colori primari non si può ottenere tutta la gamma dei colori necessari ad un pittore. Per ottenere una più vasta gamma di colori bisogna usare almeno sei pigmenti di partenza e una serie di terre, ma ne parleremo in un altro articolo.

Un bell’esercizio per imparare a impastare i colori per ottenere delle gamme armoniche è quello di imparare a  impastare colori complementari, come è mostrato nel filmato che segue, questo approccio è molto utilizzato dai pittori che dipingono alla prima:

Per completare l’argomento aggiungo alcuni riferimenti ai cosiddetti sistemi di “color checker”. Sull’argomento si trovano per il web le soluzioni più elaborate e varie.

In italiano il sito di disegnoepittura.it propone una soluzione che potrebbe essere utile se si dipinge usando come modello una foto, consiste nel plastificare la foto stessa e nell’applicare dei test degli impasti che si vanno facendo direttamente sulla plastificazione della foto. Il limite di questo metodo, oltre alle osservazioni con cui ho aperto questo articolo, è che esso da la sensazione di offrire una soluzione perfettamente esatta, purtroppo il limite è proprio nell’uso della foto, perché non esiste metodo di stampa fotografica che garantisca, nemmeno in via teorica la corrispondenza tra una qualsiasi foto stampata e l’originale da cui è stata ripresa.

Altri sistemi più sofisticati prevedono l’uso di mirini più o meno costosi, come quello proposto in questo video:

Una variazione sul tema appena proposto è quella riportata nel forum watersolubleoils, dalle immagini che seguono risulta abbastanza facile capire come lo strumento possa essere costruito.

Tutti questi sistemi, compreso il famoso e costoso Carder Method  sono debitori verso il vecchio trucco di caricare un po’ di colore sulla spatola con cui si impastano i colori e di raffrontarlo con il colore che si tenta di riprodurre.

Tutti questi metodi, malgrado sembrino offrire una certa esattezza nella misurazione del colore falliscono a causa del fenomeno della interferenza percettiva soggettiva dei colori adiacenti e soprattutto per il motivo che percepire il tuo quadro e percepire il tuo modello, sperando che i due universi possano corrispondere in qualche modo, è futile (vedi anche “La visione dei colori – la teoria di Young e Helmholtz) .

Credo di averti dato molti spunti di riflessione con questo lungo articolo, in interventi successivi approfondirò i vari aspetti di questa questione per sgombrare il campo da tutta una serie di equivoci nei quali che inizia a dipingere cade, per ritrovarsi in vicoli ciechi da cui non si riesce ad uscire se non con molta fatica e fortuna.

Domenica 23 marzo dalle 10 alle 20, in occasione della festa di primavera, Circolo d’Arti Presenta:

“Arte a Casa Spadaccino”

All’interno di Casa Spadaccino, ogni parete ospita un artista diverso, ogni angolo nasconde un inaspettato percorso di ricerca e tecnica, espressione della varietà dei modi di intendere l’arte.

ESPONGONO:

Paola Angelotti, Silvia Ciccu, Marisa Congiu, Gianluigi Mascia, Gaspare Mocci, Iosto Mura, Alessandro Pedroni, Mario Soddu, Piero Usai, Elisabetta Vacca, Lucia Vallifuoco, Cristina Zara

La mostra potrà essere visitata anche nei giorni successivi negli orari 9,00/13,00 – 16,00/19,00, fino al 30 marzo 2014.

Durante la manifestazione di domenica espositori, animatorie visitatori, renderanno speciale questa giornata con le loro creazioni, le loro prelibatezze e la buona compagnia.

inoltre ci sarà una dimostrazione di pittura ad olio di Alessandro Pedroni che lavorerà ad una delle sue opere.

Qui sotto una mappa che spiega come arrivare a Casa Spadaccino da Cagliari:

Al Croquis Café, ogni settimana si pubblica un nuovo filmato che presenta modelle nude in pose artistiche per esercitarsi nel disegno dell’anatomia artistica.

Ogni filmato presenta modelli diversi in una varietà di pose. Le pose sono cronometrate e rimangono fisse in sequenze che variano nella durata di 1, 2, e 5 minuti come succede in una seduta tradizionale di disegno dal vero in una accademia del nudo. Il bello è che lo possiamo fare tranquillamente da casa nostra e non ci costa nulla, basta avviare il video, metterlo a tutto schermo e disegnare.

Di seguito pubblico una serie di video già usciti nelle settimane scorse e mensilmente aggiungerò quelli che via via saranno pubblicati corredandoli di appunti sul disegno dal vero del corpo umano e sul disegno gestuale, per completare e corredare gli articoli su questo argomento già usciti su questo blog e che trovate nella categoria anatomia artistica.

Indubbiamente la nostra scelta di partecipare con una mostra d’arte alla “Festa di Primavera”, che si è svolta domenica scorsa, 23 marzo a Casa Spadaccino (Capoterra – Cagliari), è stata premiata.

Il gran numero di iniziative che hanno costellato la giornata ha determinato un altissimo afflusso di persone: almeno mille.

Tutti i visitatori hanno molto apprezzato le opere esposte nelle sale e nei corridoi della casa e gli autori presenti hanno potuto entrare in rapporto con persone che non fanno parte del consueto “popolo delle mostre”, ricevendo così utili e non usuali riscontri e complimenti alle loro proposte.

Sono molto felice di apprendere  che ci sono state anche diverse vendite e questa è sempre una buona notizia.

Chi si fosse perso il vernissage, può ancora visitare la mostra collettiva fino a domenica 30 marzo negli orari 9,00/13,00 – 16,00/19,00.

Gli artisti che hanno partecipato a questa iniziativa saranno invitati ad entrare con due opere nella pinacoteca collettiva dei pittori sardi che si sta costituendo a Casa Spadaccino, che costituirà una mostra permanente.

Nella Galleria che segue pubblichiamo una documentazione fotografica dell’evento.

Mi sembra utile segnalarti questo sito: “Finestre sull’Arte” si tratta del primo podcast italiano pensato per la storia dell’arte. il sito è nato nel 2009 a cura di Federico Giannini e Ilaria Baratta.

Il sito vuole diffondere la conoscenza della storia dell’arte, proponendo un modo nuovo per avvicinarsi all’arte: il “podcast, ovvero una trasmissione audio, in formato mp3, scaricabile sul proprio computer, tablet, smartphone o con un lettore mp3. In questo modo è possibile ascoltare le informazioni come se si ascoltasse una trasmissione della radio, ma senza dover accendere il proprio impianto a un orario stabilito dall’emittente!

In questo periodo nel laboratorio “il gioco dell’artista” stiamo esplorando le potenzialità espressive del segno, nell’incontro del 31 marzo abbiamo lavorato sul disegno a tratto continuo.

La tecnica del tratto continuo consiste nell’eseguire un disegno servendosi di un’ unica linea continua, senza staccare mai la matita o la penna dal foglio.

Questo tipo di approccio è utile per comprendere la forma nel suo insieme, per costruirla passando dall’interno all’esterno e viceversa, dandole così un movimento ed un’ organicità che la rende viva.

Il soggetto del disegno sarà quindi una sola cosa con il contesto che lo circonda. È molto utile associare a questa tecnica il disegno cieco.

Qui sotto alcuni esempi di disegni ottenuti con questo approccio.

La pratica del disegno a tratto continuo ha la caratteristica di creare molto rapidamente uno stato di coscienza molto rilassato e concentrato, tipico degli stati indotti dalla meditazione, facilmente ti capiterà di avere idee nuove o ti troverai nella giusta concentrazione per disegnare o dipingere qualsiasi soggetto. Insieme al disegno cieco, il disegno a linea continua è una pratica consigliata da diversi maestri prima di affrontare soggetti complessi o il disegno anatomico della figura dal vero.

Anche Frederick Franck nei suoi libri The Zen of Seeing: Seeing Drawing As Meditation
e The Awakened Eye: A Companion Volume to the Zen of Seeing : Seeing, Drawing As Meditation raccomanda caldamente questa pratica.

È ancora possibile iscriversi al corso di pittura ad olio metodo fiammingo – sessione estiva – organizzato da Circolo d’Arti a Cagliari in via Nazario Sauro 10. Il corso si terrà due volte alla settimana, il martedì e il mercoledì, da martedì 17 giugno a mercoledì 16 luglio dalle ore 19 alle 21,30.

A grande richiesta abbiamo deciso di tenere un corso identico a quello di Cagliari anche a Senorbì, presso la Gelateria Eden, in questa località le lezioni inizieranno il 19 giugno e proseguiranno il giovedì e il venerdì dalle ore 19 alle 21,30.

Il docente è Alessandro Pedroni.

Il corso comprende, oltre alla pratica, una concisa sezione teorica sulle tecnologie e i metodi di questo tipo di pittura, sulla differenza tra metodi di pittura per livelli e alla prima oltre ad una analisi dei medium usati e della loro evoluzione tecnologica.

Durante la parte pratica si procederà a realizzare una o più opere utilizzando una versione modernizzata della pittura fiamminga a livelli e velature. Le esercitazioni pratiche punteranno a spiegare tutte le fasi di questo stile di pittura adottato dalla maggioranza degli iperrealisti moderni.

Il laboratorio può essere affrontato a partire da qualsiasi livello di preparazione, ovviamente i risultati ottenuti saranno proporzionali al bagaglio di competenze nel disegno e nella pittura già in possesso di ciascun partecipante.

Conoscerai i materiali e i medium tradizionali e come essi possono essere sostituiti da prodotti moderni che rendono più rapido il lavoro.

questi alcuni argomenti trattati nel corso:

• cosa sono le imprimiture e la loro influenza sullo stile di pittura
• cosa sono le imprimature e come si usano
• i vari tipi di pennelli e come si usano
• le tecniche di sottopittura
• la tecnica della grisaglia
• la tecnica dello sfregazzo
• la tecnica del pennello secco
• la pittura a mezza pasta e in che fasi può essere usata
• la pittura a velature
• le tecniche miste.

Per avere informazioni ulteriori o per accordi per un appuntamento, potete contattarci attraverso il modulo in fondo all’articolo.

Ecco alcune foto dei lavori eseguiti dagli allievi del corso di pittura a olio negli ultimi due anni e alcuni lavori in corso attualmente:

Aggiungo alcuni filmati tratti da una lezione via web distribuita gratuitamente dalla nostra associazione:

Ricordo che su questo blog sono disponibili diverse lezioni gratuite sulla esecuzione di una pittura ad olio, per esempio quella sulla realizzazione di una piccola natura morta, leggendo questi articoli ti potrai fare un’idea della qualità delle lezioni.

Per ulteriori informazioni vi preghiamo di contattarci usando questo modulo:

In questo periodo nel laboratorio “il gioco dell’artista” stiamo esplorando le potenzialità espressive del segno, nell’incontro di lunedì 7 aprile, abbiamo lavorato sul disegno a tratto spezzato.

La tecnica a tratto spezzato, da non confondersi con quella a tratto discontinuo o tratteggiato è un approccio al disegno che serve per concentrarsi sul movimento della forma e sulle linee di forza .

Rispetto alla tecnica del tratto continuo si contraddistingue per essere più nervosa ed energica . Questa tecnica è molto utile nei disegni di gesto, quindi per catturare il movimento e l’espressione del soggetto.

Qui sotto alcuni esempi di disegni ottenuti durante la lezione usando questo approccio.

Come il disegno a tratto continuo il disegno a linea spezzata ha la caratteristica di creare molto rapidamente stati di coscienza rilassati e concentrati, tipico degli stati indotti dalla meditazione, facilmente ti capiterà di avere idee nuove o ti troverai nella giusta concentrazione per disegnare o dipingere qualsiasi soggetto.

Il disegno a linea spezzata è molto usato durante le sessioni di disegno dal vero della figura, viene chiamato disegno gestuale, in questa serie di articoli potete vedere come è applicato:

• disegno gestuale – 1: linee d’azione
• disegno gestuale, 2: testa, gabbia toracica e bacino
• disegno gestuale: 3 – snodi

Due esercizi per imparare la tecnica del chiaroscuro a penna biro

Un nuovo esercizio in regalo dal laboratorio “Il Gioco dell’Artista” che si svolge tutti i lunedì sera dalle 19,30 a a Circolo d’Arti a Cagliari in via Nazario Sauro, 10. Gli esercizi con la linea pesante consistono nel tracciare le immagini con segni molto energici, preferibilmente stando in piedi. In questo esercizio abbiamo scelto di disegnare senza modelli concentrandoci sul concetto di pesantezza. Abbiamo usato carboncini, pastelli e stecche di grafite. i risultati sono notevoli. Ecco alcuni esempi:

Il compito di disegnare correttamente, rispettando i principi della prospettiva, può essere scoraggiante per molti artisti: la materia da affrontare sembra così tecnica e analitica! Ma le regole della prospettiva ti danno la chiave per inventare qualsiasi oggetto e lo spazio che lo circonda con padronanza assoluta ed anche disegnare qualsiasi cosa che ti capita sotto gli occhi.

La prospettiva può essere considerata come la grammatica del disegno, è un sistema di regole per organizzare le linee. forme e volumi per creare l’illusione di uno spazio tridimensionale. Le regole sono empiriche: basate sulla percezione del mondo davanti a noi, che ci viene da come i nostri occhi lo percepiscono.

Vediamo queste cinque leggi una ad una:

1. la legge di diminuzione

gli oggetti visibili ci sembrano via via più piccoli man mano che sono più distanti dai nostri occhi, al contrario, più sono vicini e più li vediamo più grandi. Il quadro “la Grande Jatte” di Seurat, qui di seguito, rende piuttosto chiaramente questo concetto

2. la legge della sovrapposizione

questa legge stabilisce che quando un oggetto è davanti a un altro rispetto all’osservatore, lo copre e in questo modo definisce le relazioni spaziali tra di essi.

Un esempio di questo artificio si può vedere nel quadro di Raffaello “San Giorgio e il Drago”

3. la legge di scorcio

Gli oggetti visti di scorcio appaiono più brevi, al limite, in condizioni estreme possono apparire distorti, in modo che le parti più vicine all’osservatore può sembrare fuori scala rispetto alle parti più distanti dell’oggetto

4. la legge di convergenza

Si può osservare che le linee parallele che si allontanano da chi guarda, tendono a convergere in un punto sull’orizzonte. Possiamo anche dire al contrario che le linee parallele che vengono verso chi osserva, esse divergono.

5. la legge della prospettiva aerea

Ho parlato di questo aspetto anche in un altro articolo: questa legge descrive il fatto che via via che gli oggetti si allontanano dall’osservatore, a causa degli strati crescenti di aria che si frappongono cambia aspetto. In particolare:

• la luminosità e le ombre diminuiscono fino a che le differenze quasi si annullano, creando sempre meno contrasto
• i colori diventano sempre meno saturi
• i colori tendono a raffreddarsi, spostandosi verso il blu e viola
• i contorni degli oggetti si ammorbidiscono
• vediamo meno dettagli

Come si può vedere  la tecnica è molto duttile ed ha il vantaggio di educare la mano e la mente alla sensibilità del segno ed al controllo.

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Se vuoi imparare a usare la tecnica del disegno con la penna biro ho preparato per te una dispensa con due lezioni introduttive estratte dalle lezioni del corso di disegno e pittura via web di Circolo d’Arti .

€9,50 – acquista subito la dispensa Cassa Aggiunto al carrello

Seguendo tutta la sequenza filmata passo passo potrai imparare a disegnare dal vero i due soggetti proposti nelle foto. Le due lezioni comprendono le istruzioni passo passo per disegnare a mano libera copiando dal vero i due soggetti scelti come modelli.

Normalmente queste lezioni vengono distribuite all’interno del corso a un costo ben maggiore e separatamente, in via sperimentale e limitata nel tempo, chi acquista una delle due otterrà l’altra in omaggio, al prezzo eccezionale di 9,50 euro.

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