Malgrado ciò spesso si vedono opere buttate li senza riflettere, su superfici cui manca preparazione e struttura (di solito piatta carta bianca).

Non dico che dipingere su superfici bianche e lisce non sia appropriato – a volte è addirittura necessario – ma, in molti casi, essere creativi nel trattare e strutturare le superfici su cui si dipinge può rivelarsi un’ottima scelta. In questo articolo esploreremo diversi e inusuali modi per preparare un fondo per dipingere. In modo da valutare quali possono essere i vantaggi per la tua pittura e come sia possibile integrare questa pratica in essa.

Un’opera di Andrew Young realizzata su una superficie trattata a collage mascherati con larghe pennellate chiare e colori sgocciolati:

ma cosa è un “fondo”?

Il fondo bianco di questo lavoro di Alexander Pavely, è parzialmente oscurato dalla trama della stampa delle pagine di giornale che sono state applicate al sol fondo della tavola su cui poi sono stati stampati in rosso coprente una serie di palazzi resi al tratto. il contrasto tra la trama del testo e l’immagine graficizzata delle costruzioni risulta esaltato e significativo. La texture del testo è stata smorzata da una vernice bianca spray in zone opportune della superficie in modo da rendere meno assorbente la superficie e più adatta a ricevere la stampa.

Brevemente, per “fondo” si intende la base creata dal primo strato di vernice (o altro mezzo) su cui poi verrà realizzato il lavoro. È uno strato sottostante la pittura vera e propria, che può essere coperto interamente dagli interventi successivi, o lasciato visibile nel lavoro finale.Usare uno sfondo appropriato presenta notevoli vantaggi pratici, nonché alcune importanti risorse estetiche.

Per esempio:

• stendere e fondere i colori è più facile. La maggior parte delle carte, tele, legni e tessuti su cui capita di dipingere sono molto porosi. Il solvente della vernice viene assorbito quasi immediatamente, di conseguenza essa diventa difficile da distribuire e da miscelare.
• La vernice asciugando resta più ricca e vibrante. Senza un fondo che ‘sigilli’ la superficie su cui si dipinge, i colori con cui si lavora seccano prematuramente creando i cosiddetti “prosciughi”: zone in cui le tinte appaiono un po’ piatte e opache, senza la loro lucentezza naturale (se non avete mai usato alcun tipo di fondo, non avete avuto modo di apprezzare quanto corposa e bella può apparire una pittura che ha avuto modo di asciugare lentamente).

• Questo dipinto dell’artista Kim Naumann è stato realizzato su un collage di carte ruvide, ad esempio carte da parati e da regalo. Le velature blu e marroni della parte superiore del lavoro si sono insinuate nelle pieghe e rientranze, mettendone in evidenza la trama decorativa e creando un bellissimo terreno per la pittura successiva.

  Si può dipingere su una più ampia gamma di superfici. Molti materiali lucidi, respingono la pittura. Esistono preparazioni professionali come il cosiddetto gesso acrilico progettati per aderire a tali superfici e creare una base perfetta per dipingere.

• Trame. Un fondo può essere usato per smorzare le imperfezioni delle superfici sottostanti oppure può essere usato per creare nuove strutture superficiali
• Materiali fragili possono essere rafforzati. Un foglio di carta diventa più rigido e resistente se coperto di un fondo di un certo spessore (talvolta è necessario dipingere entrambi i lati per impedire che si deformi). La robustezza della carta di supporto è particolarmente utile se successivamente andranno aggiunti collage o elementi pesanti.
• Un fondo intermedio permette di coprire facilmente i colori sottostanti.

  Questo dipinto dall’artista Ian Francis è stato dipinto su fondo nero. Uno sfondo del genere costringe ad applicare i colori sovrastanti in grossi strati o con più mani e può contribuire a creare profonde ombre portate.

  Uno spesso strado di fondo riduce il numero di strati necessari per coprire una superficie sottostante intensamente colorata.

• Si finisce prima. Se un fondo base rimane parzialmente, o completamente, visibile nel lavoro finito, si può finire più rapidamente l’opera. Anche se a un livello molto semplice, il lavoro è già parzialmente fatto: la tela è coperta interamente già in partenza (leggi anche l’articolo 15 modi per disegnare e dipingere più in fretta).
• La pittura risulta più fresca e “autentica”. Perché un fondo interessante crea una superficie più ricca e varia, che offre maggiori opportunità per l’artista di interagire realmente con l’opera su più livelli, che danno alla storia maggiore profondità.

Qui sotto una interessante immagine di: Sam Winston (below).

Una impressionante immagine di Michael Shapcott:

Questo incredibile dipinto di Michael Shapcott compone strati di colore, spruzzi, velature, su cui l’autore ha ulteriormente dipinto in modo figurativo, creando un ricco, vivace lavoro a più livelli.

Nel prossimo articolo di questa serie esamineremo diverse possibilità di creare fondi: sia classiche che innovative. Per cui tornateci a trovare o iscrivetevi alla mailing list (qui sotto trovate il modulo) per non perdere l’uscita dei nuovi articoli.

Questo argomento è trattato in modo approfondito durante le lezioni dei corsi di disegno e pittura che Circolo d’Arti organizza a Cagliari, Senorbì e a Casa Spadaccino (loc. Su Loi, Capoterra), e nel corso sul web. Guarda la lista di tutti i corsi.

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Questo risultato non è facilmente raggiungibile, vuoi perché, come ogni meditazione che si rispetti, va fatta in solitudine, vuoi perché tendiamo a dare troppe indicazioni ed impediamo all’allievo di scoprire le cose con i suoi tempi, e ancora perché chiunque impari spesso ha paura di sbagliare e controlla quello che fa ergendosi a giudice di ancora prima di iniziare il lavoro, insomma, non è un compito facile.

Si tratta di dipingere la chioma di un albero, meglio se rada, concentrandoti su un punto specifico ed osservandolo con attenzione. Il foglio di lavoro deve essere sistemato di lato in modo da non vederlo e col pennello dipingiamo seguendo con gli occhi gli andamenti delle foglie e riproducendoli senza guardare mai il lavoro. In questo caso il soggetto era un albero rado, con molti spazi tra i rami e ciuffi di foglie leggere che sfumavano all’esterno. Per fare questo lavoro abbiamo utilizzato un vecchio pennello piatto di setola, lavorandolo con le mani in modo da allargarlo al centro e picchiettando il colore sul foglio.

L’ESERCIZIO IN TAPPE

prima prova dell’allieva. Notate l’andamento regolare e troppo rigido della chioma.

pittura cieca, il dipinto risulta più naturale. I rami sono stati aggiunti successivamente.

2) Guarda con attenzione il soggetto e scegli un particolare della chioma da copiare, prepara il pennello col colore e prova alcune volte per verificare che a una certa pressione corrisponda un segno leggibile.

dimostrazione della tecnica di Lucia Vallifuoco

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Come abbiamo visto nell’articolo sui “fondi tinti” e sull’uso creativo della pittura lavorare su fondi elaborati con soluzioni creative può dare una nuova svolta espressiva alla tua pittura.

Cominciamo ad esaminare in pratica una serie di fondi per rendere più interessanti e ricchi i tuoi lavori e stimolante il tuo modo di dipingere.

Fondi a gesso acrilico

Questo disegno a grafite, su un fondo a tecnica mista, bloccato sulla superficie da un sottile strato di gesso, è stato creato dalla bravissima Georgia Shattky. Nota come nelle zone in cui è stato applicato il gesso (le strisce strutturate, create in diagonale attraverso il centro) la superficie granulosa rende le linee a matita molto più scure e impossibili da cancellare (al massimo si possono sbaffare).

Il gesso acrilico è una preparazione professionale formulata specificamente per creare superfici adatte alla pittura artistica. Si lega bene ad una vasta gamma di materiali e ha una struttura calcarea che è ottima come superficie pittorica. Di solito è più sottile della vernice (così si può  stendere su grandi aree facilmente), anche se le diverse marche hanno diverse consistenze. Le varietà di spessore maggiore possono anche essere utilizzate per creare effetti scultorei o levigati per una finitura liscia. I fondi a gesso sono generalmente consigliabili quando si sta disegnando o dipingendo su qualcosa che è extra assorbente o impermeabile alla pittura. Non è necessario per la maggior parte delle carte (anche se può essere vantaggioso, per i motivi sopra elencati).

Di solito il gesso è fornito di colore bianco ma può essere facilmente impastato con altri pigmenti colorati, colori acrilici, tinte lavabili o materiali come sabbia, pomice in polvere (ottimo per la preparazione di fondi per il pastello) e i materiali più disparati.Il gesso acrilico, non ha la stessa finitura lucida dei colori acrilici, per questo non è consigliabile che esso sia lasciato in parte scoperto, a lavoro finito, in questi casi bisogna provvedere a proteggere la superficie con una mano di Gel acrilico da impasto o con una vernice finale lucida o satinata, per evitare un effetto “prosciugo”.

Se scegli un fondo colorato, è conveniente usare un colore che sarà prevalente nell’opera finita, come in questo esempio di Adrian Gottlieb.

Fondi ad acrilico

Se il fondo a gesso acrilico è già pronto (perché lavori su una tela acquistata) si può usare una mano di pittura acrilica del colore che ritieni giusto per creare il fondo che ti conviene. Quest’ultima soluzione può sembrare meno costosa e più rapida ma bisogna tener conto del fatto che la superficie così ottenuta sarà lucida e che i colori applicati successivamente troveranno una superficie più scivolosa. (Anche se alcuni preferiscono questo tipo di superficie scivolosa a quella secca e aggrappante del gesso). Diluire la pittura con acqua, attenua il  problema.

Un fondo acrilico può essere usato anche parzialmente per creare sottopitture in aree specifiche, come nell’esempio qui sotto di Linda Mann.

A fianco una eccezionale pagina da un quaderno di bozzetti: le tre opere colorate sono state create ciascuna su un fondi acrilici.

Sfondi compatti ad acrilico (così come altri motivi descritti in questa pagina), possono essere parte integrante di unprogetto artistico o di uno studio. Nelle belle pagine mostrate a fianco (di da Nikau Hindin) – parte di un progetto di Arte e Design – tre dei quattro studi sono stati completati su un terreno di acrilico. Nota che i bordi sono frastagliati e irregolari, in modo da creare la sensazione di un ‘work in progress’ sperimentale, tipico di una pagina di bozzetti. Come accennato in precedenza, il colore di ciascuno sfondo è il colore più comune in ogni singola opera così che ampie aree di sfondo possono essere lasciate completamente visibili. Avere un fondo da lasciare visibile nel lavoro finale accelera chiaramente il processo pittorico – un fattore che è molto importante per un pittore.L’opera a sinistra, di Lyndon Hayes, mostra un approccio all’uso dei fondi piuttosto moderno.

Non solo il fondo è marrone di una tonalità media, utile per l’incarnato del corridore, ma una grande distesa di fondo resta visibile in primo piano nel lavoro.

Fondi dalle tessiture disordinate

Quando si comincia a dare al fondo la stessa dedizione ed entusiasmo che si riserva al soggetto del quadro stesso, comincia il divertimento. Uno sfondo gestuale e disordinato può essere molto adatto per esercizi con bozzetti rapidi e, in molti casi, offre una alternativa valida a un disegno figurativo troppo strettamente controllato che spesso è superfluo se non controproducente. Motivi di tessiture possono anche essere utilizzati come elementi che offrono trama agli oggetti all’interno dell’opera e per la creazione di una superfici visivamente interessanti.

Nell’esempio a destra, realizzato da Jane Mitchell, la carrozzina da bambino semi-trasparente è stata dipinta su un fondo strutturato – creando un’atmosfera di decadenza e abbandono. Il lavoro suggerisce degrado urbano; momenti dimenticati nel tempo; un’istantanea dell’esistenza umana in un fatiscente, mondo eroso.

Un disegno a pastello di Adiefineart:

Un espressivo disegno a pastello su sfondo acrilico: un ottimo esempio di uso perfetto dei mezzi per l’esplorazione con bozzetto

Fondi fatti a velature ad acrilico, inchiostro o acquerello

Accattivante lavoro di Stella Im Hultberg:

Quando si realizza un fondo utilizzando un mezzo acquoso, esso asciugando crea splendidi modelli inaspettati. Ecco due belle opere di Stella Im Hultberg su un fondo di carta macchiato di tè.

Potresti innamorarti di questi fondi prodotti con velature o guazzi dei medium più impensati. Vernici acquose, inchiostri o tinture, caffè, tè spruzzati o distribuiti in modo selvatico, in percorsi irregolari, infiltrazioni e ristagni: i risultati sono magici. Quando si realizza un fondo acquoso di questo tipo, si sente di abbracciare un senso di libertà che offre possibilità infinite. Ti può capitare di trascorrere un’intera seduta di lavoro – o una serata a casa – facendo un mucchio di meravigliosi fondi folli. Hai bisogno di fogli spessi e resistenti all’acqua (carta da acquerello da 300 gr, per esempio), di scarti di recupero o altre cose casuali e sbatterli in acqua, imbrattarli di inchiostro o slavarli con acrilico, sgocciolarli, spugnarli, sfregarli con stracci o pennelli vecchi. Schizza colore ovunque poi spalma, nebulizza colore con quegli spruzzatori da giardinaggio per diffondere una nebbia sottile di pioggia inchiostro.

Questo disegno di Amiria Robinson è stato realizzato usando grafite e matita bianca su velature di acrilico. l fondo è stato creato usando tre differenti slavature di colori acrilici: giallo ocra, terra di siena bruciata e blu di prussia, applicati quando lo strato precedente era ancora bagnato con un grosso pennello piatto semi asciutto.

Qui sopra una bella tavola creata da Georgia Shattky. Il fondo è stato ottenuto usando velature acriliche sottili, la frutta, la verdura e le pieghe del tessuto sono disegnate con matite colorate. Sapientemente composto e disegnato con precisione, il fondo chiazzato dà a questo lavoro un elemento creativo che lo rende fuori dal comune.

Bellissima superficie con schizzi e gocciolature di inchiostro indiano di Lisa Sarsfield:

Creato con schizzi di china su carta bagnata questo fondo, una volta asciutto, è stato colorato con una tintura ottenuta dal mallo di noci bollito. Sebbene creato per un esercizio di collage, questo sarebbe un grande fondo per un dipinto.

Una immagine che cattura l’occhio del graphic designer Graham Smith:

Campiture di colore sono state piazzate attentamente per dirigere l’attenzione dello spettatore.

L’artista Andrew Young, lavora lasciando colare il colore fuori dal quadro fin sul muro:

Usare medium per cracklé

Il medium per cracklé si può usare per creare un fondo che abbia un apparenza invecchiata e antica. L’uso di un pennello scarico di medium aumenta l’effetto. Anche se è opportuno fare attenzione per evitare l’uso gratuito di mezzi come questo, può essere comunque una sperimentazione interessante.

Immagine presa da un tutorial su come fare un effetto cracklé usando colla come medium. credit: Makethebestofthings: 

Effetto cracklé fatto in casa usando colla

Gommalacca 

La gommalacca è una vernice usata anticamente per la lucidatura dei mobili, si può trovare a poco prezzo nelle vecchie mestichere sotto forma di scaglie. Ha un colore ambrato e può essere usata sciolta in alcool come fondo sigillante per la superficie prima di dipingerci sopra. Essa è solitamente applicata dopo che il disegno è stato fatto, dato che la gommalacca è trasparente le linee del disegno si continueranno a vedere (al massimo potranno risultare un po’  sbaffate). Normalmente è meglio completare il disegno prima di applicare la gommalacca dato che poi è molto difficile disegnare a matita su di essa, dato che essa presenterà una superficie lucida e e dura. A volte è difficile anche dipingerci su dato che alcune pitture creano una pellicola superficiale che non aderisce al fondo a gommalacca e si stacca.

Un dettaglio di un dipinto di Amiria Robinson, che ha un fondo a gomma lacca e tecniche miste, gli strati sono visibili sulla superficie della tavola perché essi sono stati intenzionalmente scheggiati, esponendo lo strato di gomma lacca sottostante.

Fondi traslucidi

L’artista Janet Nechama Miller dipinge ad encausto (sovrapponendo strati di cera mista con colori ad olio). Anche molto al di sotto di questi strati di cera, il fondooriginario può ancora essere visto sbirciando attraverso gli strati di colore.

Un medium in gel può essere particolarmente utile quando si dipinge su una superficie (come una mappa o un pezzo macchiato di legno) che ha segni interessanti che si desidera conservare.

Encaustic (wax mixed with oil paint) can also be used when working over old salvaged materials, as in the awesome example to the right by Janet Nechama.

IN CONCLUSIONE…

Sceglier di usare fondi su cui dipingere che siano di per se variati e interessanti può aggiungere una particolare atmosfera e maggior interesse alle tue opere.

Questo articolo fa parte di una serie sulle tecniche pittoriche innovative. Ti invito a leggere anche gli altri articoli della serie: “uso creativo della pittura: oltre il pennello” e “come creare un fondo per dipingere: i fondi tinti“.

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L’autore della dimostrazione che ti presento, Richard McKinley, è un pastellista che ama le interazioni fortuite dei tratti di pastello con le sotto pitture spontanee ma rimane cosciente dell’importanza del rispetto dei valori di chiaro scuro per l’equilibrio armonioso del lavoro, ed ha continuato a sperimentare tecniche che offrono il meglio di entrambi. Quello che segue è un esempio di uno dei suoi metodi.

Dimostrazione di sotto pittura per pastelli

Seconda fase: usando un pennello si applica una mano di Liquitex Clear Gesso (vanno bene tutti i fondi trasparenti reperibili in commercio compresa il fondo pomice acrilico o della polvere di pomice mescolata a vinavil o a vernice acrilica trasparente). Il fondo può essere applicato come è o diluito con acqua, bisognerà fare qualche prova. La trama creata dalle pennellate sarà accentuata nelle aree estese per creare interessanti trame che interagiranno con i passaggi successivi.

Terza fase: dopo che il fondo è asciutto abbiamo ottenuto una sotto pittura di valori di chiaroscuro su cui lavorare. Su di essa puoi applicare vari strati trasparenti di colore senza paura che vadano persa la struttura generale di chiaroscuro dell’opera. In questo esempio sono stati usate velature di acquerello usando una tavolozza limitata a un giallo, un un rosso e un blu. Porre un limite alle scelte e permettere ai colori di uscire dai bordi del disegno perché si combinino liberamente su tutta la composizione permette di raggiungere un risultato più armonioso. Anche schizzi e sgocciolature sono permessi, possono aggiungere un senso di naturale giocosità alla preparazione di questa sottopittura.

Su una preparazione così ricca si potrà lavorare in molte maniere, con pastelli o con le più varie tecniche pittoriche, olio, acrilico o tecniche miste. Basterà limitarsi ad aggiungere il minimo di interventi possibili in modo da aumentare il senso della realtà o l’atmosfera che si è scelto di rendere anche con un effetto impressionistico.

Questo articolo è tradotto liberamente dall’articolo Pastel Underpainting Freedom letto su artistsnetwork.com.

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L’INERZIA È INFALLIBILE. Come un ago magnetizzato si orienta per allinearsi verso il nord, così l’inerzia si attiva senza fallo per impedirci qualsiasi attività costruttiva e creativa.
Possiamo usare questo fatto come una bussola, dato che la resistenza ad agire sarà tanto maggiore quanto maggiore sarà la resistenza che incontreremo.
Puoi considerarla una regola generale: maggiore è l’importanza di una certa azione per l’evoluzione della nostra anima, maggiore la resistenza che sentiremo ad intraprenderla.

L’INERZIA È UNIVERSALE ci sbaglieremmo se pensassimo di essere i soli a dover lottare con l’Inerzia. Tutti coloro che hanno un corpo sperimentano l’Inerzia.

Creatività

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Le prime prove di pittura durante i corsi di acquerello di Circolo d’Arti, le realizziamo ad un solo colore.

• Con bozze veloci o disegni progettuali definisci la direzione della luce e come la luce incidente fa apparire gli oggetti, l’intensità e direzione dell’ombra propria dell’oggetto e dell’ombra portata sulle superfici e oggetti vicini.

Per cominciare ti conviene scegliere semplici cubi o cilindri, per passare poi a nature morte sempre più complesse e paesaggi.

Successivamente procedi utilizzando poche velature successive di colore ed evidenzia, alla fine con alcuni tocchi, le zone più scure.

Il colore più chiaro va dipinto anche nelle zone dove poi useremo un colore più intenso per evitare che si veda un bordo più scuro tra una zona e l’altra.

Buon lavoro.

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Il motivo è semplice: i valori di chiaroscuro sono uno dei fondamenti del disegno e della pittura realistica. Potrei dire di più, essi sono “il” fondamento.

Perché i pittori parlano di valori di chiaroscuro così tanto?

Seguiamo insieme un esempio tratto dal sito di Paul Foxton la sua esperienza è illuminante.

Come molti aspiranti artisti quando decise di migliorare le sue capacità nella tecnica pittorica, spese molto tempo alla ricerca di informazioni valide, provando ora questo ora quello, senza riuscire ad ottenere risultati apprezzabili.

Paul era molto frustrato vedendo che le sue nature morte mancavano assolutamente di naturalezza e di senso della realtà, vedeva che c’era qualcosa di sbagliato ma non riusciva a capire cosa.

Tentò molte soluzioni, ma fu quando iniziò a concentrare la sua attenzione sulle variazioni di chiaroscuro che le cose finalmente iniziarono a cambiare.

La differenza fu sorprendente.

Finalmente la luce entrò nella sua pittura, insieme a profondità e forma. Le cose che dipingeva cominciarono a sembrare reali. Scoprì anche che, se i valori di chiaroscuro erano buoni, poteva tralasciare la maggior parte dei dettagli da rappresentare, anzi che più riusciva a lasciare abbozzato il lavoro e meglio questo appariva.

Questo era il grande segreto del pittore Sargent, famoso e stimato per la sua grande perizia tecnica. Le sue pitture sembravano tanto precise e reali proprio perché lui era capace di gestire in maniera magistrale le relazioni tra il chiaro e lo scuro.

Che cosa è il valore di chiaroscuro?

Per chiarire bene il concetto di valore di chiaroscuro (o più semplicemente di valore) conviene stabilire una piccola definizione:

Se stai disegnando a carboncino, stai usando i valori di chiaroscuro. Se togli via tutto il colore da un quadro e riduci tutto alla scala dei grigi, puoi vedere le variazioni di valore di quella immagine.

Foxton ha imparato tanto bene la lezione da pubblicare diversi articoli su questo argomento sul suo blog, questo che vi segnalo è molto interessante, Purtroppo è in inglese ma prima o poi lo tradurrò e lo pubblicherò anche qui, Paul è molto gentile ed è molto contento che le sue idee siano diffuse anche in altre lingue..

Perché dovresti occuparti con molta attenzione dei valori nei tuoi disegni

Il controllo dei valori ti da – quasi quasi – tutto quello che ti serve per creare immagini convincenti ed anche belle:

1. I valori di chiaro scuro creano luce, forma e senso di profondità. Anche in immagini molto semplici, create solo con il chiaro scuro e nient’altro è possibile ottenere questi tre elementi creando un convicente senso della luce. Il tutto senza usare nessun colore;

1. Il valore è un elemento chiave di una buona composizione. Un chiaro scuro poco definito, fangoso, rende la tua composizione sporca e confusa. Impostare chiaramente una forte definizione dei valori rende armoniche le masse e il progetto dell’opera. Questo risultato si ottiene semplificando i valori di chiaro scuro. Citando Andrew Loomis si può dire:“Se basate le vostre immagini su pochi elementi esse saranno comprese e apprezzate con facilità. Se invece ti perderai alla ricerca di effetti speciali e inutilmente sofisticati, permettendo a te stesso di dimenticare il soggetto per perderti in inutili particolari e mancando di riconoscere e rendere riconoscibili le semplici verità che hai davanti agli occhi, mancherai l’obiettivo di fare una buona pittura.
2. Una volta che avrai una chiara idea di come il valore di chiaroscuro funziona come parte del colore, potrai creare dipindi di grande potenza. Qui sotto un grande esempio di Monet. Guarda come il sole sembra brillare in questo quadro:

   ma ecco come appare se eliminiamo il colore.

   Il sole è del tutto scomparso. Il quadro funziona proprio perché il valore del colore del sole è esattamente uguale al valore del cielo dietro, creando una forte vibrazione ottica. Le tonalità sono complementari, e questo è quello che dà quel luccichio visivo. Se i valori non fossero uguali, l’effetto sarebbe perso.

E quindi: perché i valori di chiaroscuro sono così difficili da ottenere correttamente?

Ci sono due ragioni principali:

• Prima di tutto, ottenere valori di chiaro scuro giusti è difficile perché il nostro cervello mente circa i valori che vediamo. Ci sono due modi per valutare i valori di chiaroscuro, il metodo “locale” e quello “percepito”.  Il valore locale è il valore che possiede un oggetto in se. se tu dipingi un cubo di grigio, il suo “valore locale” è il valore della vernice che hai usato. Il “valore percepito” è il valore che che appare avere una delle facce a seconda di quanta luce cade su di essa. La questione può sembrare abbastanza semplice invece è veramente difficile giudicare un valore percepito in modo accurato, dato che il nostro cervello ha la forte tendenza a farci dipingere il valore locale al posto del valore percepito. È di nuovo un intralcio che il lato sinistro del cervello ci butta tra i piedi per farci inciampare. Qui sotto c’è un buon esempio:

Entrambi i cartoncini sono dipinti con tre valori: bianco, nero e un mezzo tono grigio tra il bianco e il nero. I cartoncini sono stati dipinti con gli esatti valori locali eppure nella foto essi appaiono molto differenti. I valori che vediamo cambiano a seconda di quanta luce cade sulla superficie che stiamo osservando.

Il tuo cervello logico sa che i due riquadri bianchi sui cartoncini hanno lo stesso valore locale. Eppure sembrano differenti rispetto a come essi realmente sono se tu li prendi e li esamini al di fuori del contesto della immagine in cui sono mostrati.

Per quanto tu cerchi di ricordarti che – per esempio – il riquadro a sinistra di entrambi i cartoncini è “bianco”, dovrai convenire che essi ti appaiono diversi, anche se tenderai a immaginare che il riquadro del cartoncino in basso appaia più chiaro di quello che percepisci e cercherai di dipingerlo più chiaro di quello che vedi.

Lo stesso fenomeno si manifesterà con il tassello al centro dei cartoncini, cercherai di rappresentare i due valori con dei valori più “vicini di quanto effettivamente sono.

Questo rende veramente difficile giudicare i valori di chiaroscuro ad occhio. Così non sentirti non adeguato se hai difficoltà.

• La seconda ragione è che la gamma dei materiali che abbiamo a disposizione, dallo scuro più oscuro al chiaro più luminoso, è molto minore rispetto alla gamma di valori che noi vediamo. Puoi verificare questo fatto abbastanza facilmente, vediamo come.

Come si possono ottenere valori più giusti

Cominciamo a compiere alcuni semplici passi per iniziare a vedere meglio il chiaroscuro.

In primo luogo, devi trovare un modo per ignorare la tendenza che ha il tuo cervello di etichettare i valori a partire dal valore locale:

Passo 1

Procurati un “isolatore di colore”. Niente di complicato, si tratta solo di un piccolo pezzo quadrato di cartoncino grigio con un buco al centro. Prepara un pezzo di cartoncino quadrato di circa 5 cm di lato, al centro pratica un foro di circa 2 centimetri per lato.

Passo 2

Ora crea una scala di valori. Puoi ottenere facilmente una scala di tre valori, ma se vuoi andare a fondo di questa faccenda, creane una con almeno nove livelli di valore con i colori ad olio.

Puoi seguire questi video preparati da Paul, sono in inglese ma non avrai difficoltà a capire come preparare una scala a nove livelli di valore.

Parte prima:

Parte seconda:

Passo 3

Ora vai in giro per la tua casa o il tuo studio usando le tue scale di valore per vedere quali valori riesci  a individuare. Sovrapponi l’isolatore alla scala in modo da lasciare una parte dell’isolatore vuota, attraverso questa finestrella osserva gli oggetti, questo ti aiuterà a valutare il valore percepito di quella particolare porzione dell’oggetto, come mostrato nella foto qui sotto:

Passo 4

Successivamente prova a rendere qualcuno dei valori che hai individuato con del carboncino o a tratteggio incrociato a matita, poi prova a confrontare ciò che hai ottenuto con il valore che hai preso a modello.

Ques’ultimo passaggio è importante perché con questo esercizio il tuo cervello comincerà a imparare a valutare più correttamente i valori di ciò che osservi e a tradurre questi valori nel disegno. In questo modo ti libererai delle etichettature che il lato sinistro del cervello cerca di appiccicare su ciò che vedi.

Ottenere valori più giusti

Una volta che avrai provato questo semplice esercizio, probabilmente ti renderai conto piuttosto in fretta che potrai usare questa semplice combinazione di un isolatore e di una scala di valori per aiutarti a ottenere valori più giusti quando dipingi o disegni.

Parleremo di questo in un prossimo articolo.

Questo argomento è trattato in modo approfondito durante le lezioni dei corsi di disegno e pittura che Circolo d’Arti organizza a Cagliari, Senorbì e a Casa Spadaccino (loc. Su Loi, Capoterra), e nel corso sul web. Guarda la lista di tutti i corsi.

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Diciamocelo: il bianco della pagina o della tela può intimidire.

Anche per il più smaliziato ed esperto artista l’inizio di un lavoro su una superficie completamente bianca può essere scoraggiante.

Tutto quel bianco è troppo non è vero? Sembra in attesa di un’opera eccezionale, non certo dei nostri “poveri scarabocchi”, non è vero?

Credo che anche tu ti sarai trovato intimidito dal foglio bianco, temendo che ciò che stai per fare non sarà all’altezza delle opere che hai ammirato sfogliando le riviste specializzate. A volte però sarebbe bello solo pasticciare, senza porsi alcun obiettivo, per il gusto di farlo, senza che confronti inopportuni ti intimidiscano e ti impediscano di tentare di trovare le tue soluzioni creative.  Se ci pensi, l’unica rivista o giornale che dovresti sfogliare è il tuo quaderno degli schizzi, dove, spero quotidianamente, butti giù le tue idee, anche se solo accennate o appena intuite o intraviste.

Se hai problemi come  me con la prima pagina di un album Moleskine nuovo. puoi sempre iniziare dalla seconda pagina, o da quella centrale; oppure aiutati buttando giù le tue idee sui fondi creativi con i metodi che ti suggerisco.

primo metodo: spray e pennello

Spruzza il tuo blocco degli schizzi con inchiostro colorato o acquerello. Puoi usare inchiostro di china, ecoline o semplice acquerello sciolto in una ciotolina.

È bene usare non più di due o tre colori altrimenti otterrai miscele sporche e smorte.

Il passo successivo è usare un pennello bagnato per mischiare e fondere parzialmente gli spruzzi di colore dati casualmente, lasciando che l’acqua fonda e mescoli i colori.

È molto bello assistere al fenomeno di fusione e invasione reciproca dei colori grazie alle pennellate di acqua.

I differenti tipi di colore hanno differenti solubilità in acqua, quindi conviene fare dei test per non ritrovarsi con brutte sorprese e vedere più soluzioni possibile.

secondo metodo: slavature per gravità

Di nuovo si tratta di spruzzare e dilavare colori liquidi come inchiostri di china, ecoline o acquerelli liquidi.  Devi spruzzare moltissimo colore su un bordo (meglio quello laterale) del foglio del blocco degli studi (proteggendo i fogli sotto con altra carta – vedi come nella foto qui sotto).

ora solleva il foglio tenendo la parte carica di colori in alto e spruzza moltissima acqua su quel lato, in modo che l’acqua e i colori colino verso il basso creando colature e sfumature.

Noterai che tutti i colori colando si ammucchiano nella piega tra le pagine, puoi alzare ulteriormente i fogli in modo che il colore continui a percorrere, colando, la facciata a specchio del blocco.

Ora ripeti l’operazione, magari con altri colori, sull’altra facciata del blocco.

E ripeti il sollevamento e la slavatura con acqua.

il risultato sarà simile a quello qui sotto

Un’ottima base per un disegno creativo: potrai giocare a farti ispirare dalle forme casuali che si sono create, in questo modo si possono ottenere immagini veramente interessanti e coinvolgenti.

terzo metodo: rullo e colori

Se usi un paio di colori acrilici facendoli colare sul foglio …

… e poi li spalmi in giro per il foglio con un rullo di gomma da inchiostro.

e continui ad aggiungere colature di colore e a spalmarle in giro fino a che non ottieni qualcosa che ti soddisfi, potrai ottenere delle superfici interessanti da usare come sfondi per i tuoi lavori.

Assicurati di lavare il rullo che hai usato prima che la vernice acrilica asciughi su di esso rovinandolo irrimediabilmente.

quarto metodo: colori spruzzati e dilavati

Prendi una bottiglia con un tappo a spray (tipo quelle dello sgrassatore Chante Clair) piena d’acqua, inchiostri liquidi e contagocce. Satura la pagina di acqua e fai sgocciolare con cautela il colore sulla superficie bagnata.

Se le sgocciolature si espandono liberamente, hai aggiunto abbastanza acqua. Se questo non succede (come nella foto sopra) devi aggiungere molta più acqua.

Continua aggiungendo altre gocce di colori.

Quando sei soddisfatto del risultato su una delle due pagine chiudi l’album, riaprendolo avrai ottenuto due facciate arricchite da un bellissimo, vario e delicato sfondo.

quinto metodo: stencil, spruzzi e sfregazzi

Gli stencil usati in modi poco ortodossi possono offrire ottimi sfondi. Prova a seguire questo esempio: prepara un foglio di acetato ritagliato con un motivo a rombi.

Spruzza attraverso lo stencil un paio di colori, poi sposta lo stencil e spruzza ancora.

per il resto della pagina gira lo stencil sporco di colore e usalo come se fosse uno stampo.

Otterrai così il negativo dello stencil.

Dato che non conviene avere un sottofondo troppo esatto e definito, puoi prendere un pennello bagnato con il quale “spappolare” un po’ la trama del pattern ottenuto.

Mi sembra che cinque suggerimenti in un articolo solo siano abbastanza, vai a provare e magari spediscimi quello che ottieni, sarebbe interessante vedere ciò che scoprirai e come farai tuoi questi metodi.

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Il convegno è stato progettato da Chiara Carta e coordinato da Rina Salis e intendeva approfondire attraveva per tema: la mediazione è l’arte della gestione positiva dei conflitti e della ri-attivazione dei canali di comunicazione attraverso i processi di inclusione dei bisogni dell’ “altro”.

La manifestazione è stata accompagnata da una mostra collettiva di pittura sul tema “I percorsi artistici della Mediazione”e dalla estemporanea di disegno e pittura dei ragazzi del liceo artistico di Quartu. In quella occasione gli studenti sono stati invitati a partecipare al concorso “La Mediazione è…”.

La nostra associazione ha contribuito con una offerta in denaro alla formazione dei premi per il concorso riservato agli studenti ed è stata invitata a coordinare la giuria, Mimma Farci ha offerto ai vincitori del primo premio di entrambe le sezioni un laboratorio sulla pittura a tempera all’uovo.

La premiazione è avvenuta nella Sala Consiliare del comune di Quartu Sant’Elena alla presenza del Sindaco.

Ecco le opere premiate: 
Categoria “espressione artistica”: primo classificato Matteo Cocco; secondo classificato Erika Madeddu; Categoria “fotografia”: primo classificato Chiara Deiana; secondo classificato Giacomo Bachis.

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Questo artista ha lavorato per anni con i piccoli pazienti dell’istituto di neuropsichiatria infantile dell’ASL di Reggio Emilia. Ragazzini fra i 7 e i 14 anni (18 se down), anche se hanno problemi di autismo, apprendimento, socializzazione, e altri handicap, essi sanno esprimere una creatività che sorprende. Grazie alla guida amorevole di Luca, sta nascendo un bestiario fantastico e impensabile.

Pietro Lettieri – Pipistrello Americano Dalle Ali Abbaianti – 2007

Sul sito di Luca Santiago Mora trovi un resoconto di questa attività meravigliosa e stimolante:

Dicono i ragazzini che questi animali sono quelli che non hanno dato retta a Noè, che non ci son voluti salire, sull’arca, o sono arrivati in ritardo, come a scuola. Poi tutta l’acqua di quaranta giorni e quaranta notti, e sono tutti morti, estinti tutti. Altri invece, non hanno ancora messo zampa sulla terra. In lenta marcia, per lunghe fila, nei cieli, ad arrivare fin quaggiù, ma ci vorrà tempo, un lungo tempo…

Se ci saremo ancora.

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